Théâtre De L'absurde

Le siècle passé est considéré une des périodes les plus innovatrices et productives de l’histoire de l’homme: au fur et à mesure que les événements se succèdent (voir les deux conflits mondiaux, les guerres civiles et la tragédie de l’Holocauste), les hommes commencent à développer des sensibilités différentes, ce qui aura d’énormes répercussions sur les productions artistiques.

Au lendemain de la 2ème guerre mondiale, c’est-à-dire quand les gens ont l’impression avoir retrouvé un équilibre, certains intellectuels européens préfèrent s’engager dans une analyse profonde de la condition humaine: c’est Albert Camus qui, dans « Le mythe de Sisyphe » introduit le concept de l’absurde, vu comme un état d’inutilité permanente de l’homme.

Ce type d’expression trouve ses origines à partir de l’Angleterre d’Elizabeth la première, lorsqu’il y avait des auteurs de théâtre qui considéraient le monde comme une scène, et qui vivaient leur vie comme un long rêve; encore y a-t-il des liaisons avec les romans de Lewis Carrol (non-sens) et avec le mouvement dadaïste.

Plus tard, Martin Esslin[1] reprend cet adjectif pour définir les productions théâtrales qui s’inspirent au thème de la folie de l’existence humaine; ce sont tout à fait deux les écrivains qui accueillent le plus ce nouveau courant: d’un côté Samuel Beckett, irlandais, produit un roman où la relation mot-personnage est fondamentale (car ses personnages n’existent pas sans leurs phrases); de l’autre côté le roumain Ionesco se dédie tout de suite au théâtre de l’absurde, en créant un genre complètement inattendu: la pensée principale est qu’il y aura toujours des problèmes de communication tant qu’il y a des personnes qui essaient de communiquer.

Eugène Ionesco naît dans un pays où le régime communiste russe s’impose bien sur le gouvernement local, et la rivalité Hitler-Stalin et le Socialisme donnent les bases pour qu’il y ait le besoin d’exprimer l’ironie de la condition de l’homme. Encore une fois le rapport entre mots et significations est complètement bouleversé, et il s’agit donc d’un genre assez difficile à comprendre: la rupture de la langue est causée par un langage stéréotypé, ridiculisé dans les pièces de Ionesco; la langue n’est plus un moyen de communication, mais elle donne la possibilité de tout surmonter et d’arriver au niveau des objets; le rire a une valeur particulière, comme il n’est pas une réaction libératoire mais il exprime une tension, une dérision.

Ionesco décide de créer un anti-théâtre pour s’opposer aux règles conventionnelles du 19ème siècle; il étudie le théâtre des situations, qui dénonce la fausseté des rapports, la routine quotidienne et la difficulté d’entrer en relation avec les autres.

Célèbre grâce à « La leçon » et « Rhinocéros », Ionesco a développé ces thèmes dans ses œuvres, en particulier dans « La cantatrice chauve »: au premier niveau de lecture, elle est simplement une pièce très amusante et totalement incompréhensible; mais au-delà des non-sens, l’auteur affronte les problèmes de la langue d’une façon totalement nouvelle, du moment que dans cette pièce il situe des personnages qui se comprennent à la perfection, mais qui, au même temps, embrouillent les spectateurs

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